« Braguino ou la communauté impossible » de Clément Cogitore au Bal.

Poursuivant l’objectif qui a présidé à sa création : examiner l’image contemporaine sous toutes ses formes : photographie, vidéo, cinéma, nouveaux médias, le Bal accorde actuellement l’ensemble de ses espaces d’exposition à un artiste français né en 1983 et déjà remarqué au cinéma par sa maitrise visuelle de l’art du récit dans son film « Ni le ciel, ni la terre » et d’autres expositions d’installation ou de photographie en galerie.

Ainsi, pénétrant dans les salles d’exposition, il faut un peu s’habituer à la pénombre. Elle est proche de celle qui précède le début de la projection dans une salle de cinéma et c’est bien non pas à une mais plusieurs projections simultanées auxquelles le visiteur y est invité.

Des caissons lumineux de taille imposante y cloisonnent l’espace. Des phrases sur les murs donnent leurs titres aux films de longueur différente projetés en boucle sur les caissons. Au dos, on y distingue difficilement tant il fait sombre, des images fixes de grand format. Une photographie de petit format d’un auteur anonyme est accrochée à la césure entre les deux étages de exposition. On apprendra plus tard qu’il s’agit de Sacha Braguine. Voila pour le dispositif de monstration.

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Quels sont donc ces films étranges projetés sur les écrans? S’agit-il d’un seul et même récit? A ces questions, le site du Bal nous apporte une réponse précise : « Clément Cogitore s’est rendu en 2016 à Braguino, du nom de la famille vivant dans quelques cabanes de bois perdues au fond de la Taïga sibérienne, à 700 km de toute présence humaine. Par ce geste, il souhaitait percer le mystère de la volonté d’un homme, Sacha Braguine, issu d’une communauté de Vieux Croyants, qui décida d’installer là sa famille il y a plus de trente ans, avec l’espoir de vivre en paix, dans l’autarcie la plus complète, et de construire un modèle de vie autosuffisant. Très rapidement pourtant, ce paradis devient la scène d’un conflit ouvert entre deux familles ne parvenant pas à cohabiter. L’échec d’une communauté possible composera l’axe central du travail filmique, photographique et sonore de Clément Cogitore. » Ce ne sera pas fortuit si le visiteur trouve que ce texte de présentation ressemble à un synopsis de film.

Ce qui peut frapper le visiteur qui parcourt cette exposition c’est tout de même le dispositif  de monstration d’apparence assez sophistiquée. Il nous est offert de circuler à loisir d’un fragment à un autre, dans l’ordre que l’on souhaite.  Le visiteur y devient le monteur de son propre film ou du moins peut-il en concevoir l’illusion.

En effet, au fond de la Taïga sibérienne, à 700 km de toute présence humaine, Clément Cogitore filme une rupture. Le principe de communauté, se regrouper pour faire corps face à l’adversité et les rudes conditions de vie, y est ainsi plus que remis en cause. Cette dislocation du lien est concomitamment le cœur béant de l’exposition au sous-sol et la communauté impossible du film.

Les fragments séparés s’attachent à montrer cette dislocation qui justifie la narration éclatée en fragments isolés. Le visiteur, agent de liaison du récit, est invité à se substituer à cette défaillance en faisant le liant entre les divers fragments.

Néanmoins, autant les divers récits isolés sont captivants, autant la forme de présentation m’a semblé beaucoup moins convaincante. Il ne serait pas totalement injustifié d’arguer de l’aspect tautologique des choix narratifs de l’exposition.

En effet, éclater les supports narratifs en micro récits encapsulés dans des caissons pour signifier la rupture de lien fondamental dans le récit, tend plus à alourdir le propos qu’à justifier pleinement ce dispositif de monstration faussement sophistiqué.

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Vue de l’exposition.
L’artificialité de ce choix contraste d’autant plus violemment avec les sujets délicats des images en mouvement présentées. La priorité de l’ensemble semble avoir été donnée à une mise en scène arbitraire d’un savoir faire en déconstruction narrative se mettant sans cesse en avant et qui finalement fait ici écran(s) avec son sujet.

Enfin, les photographies quant à elles sont quasiment invisibles, en raison à la fois d’une  lumière et aussi la nécessité faite aux spectateurs de tourner le dos aux revers des caissons où elles figurent, pour voir les films.

A noter que Le film « Braguino » de Célment Cogitore sera en salles le 1 novembre prochain. Il sera également diffusé un peu après cette date sur Arte.

 

 

 

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A propos de l’exposition « Tori » de Masao Yamamoto à la galerie Camera Obscura.

Du 9 septembre au 14 octobre 2017, la galerie Camera Obscura présente une exposition monographique consacrée au photographe japonais Masao Yamamoto.

A l’occasion de la parution d’un livre éponyme chez Radius Books en 2016, la galerie présente une sélection d’images puisées dans le livre et articulée autour de trois thèmes : l’air, les nuages et en guise de fil rouge les oiseaux.

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Écrire sur l’œuvre de Yamamoto est une gageure tant celle-ci convoque prestement sous la plume du regardeur graphomane tout un champ lexical qui lui colle à la peau tel un chewing-gum : fragilité, sensibilité, spiritualité, fugacité en sus des classiques : lenteur, grâce et minuscule. Il serait souhaitable de posséder provisoirement le talent oulipien d’un Perec pour envisager une Disparition avec bonheur de ce champ de mines lexicales. Soit.

L’exposition présente donc un ensemble non-daté de petits tirages figuratifs qui mis bout à bout forme la cosmogonie Yamamoto, la grâce y est encapsulée, la pesanteur en est pourchassée.

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Il est ici question d’une interprétation du monde, les images et sujets de Yamamoto sont des contre-points. Il ne s’agit pas de voir le monde tel qu’il est mais tel qu’il souhaiterait qu’il soit : une suite de temps arrêtés, d’oiseaux sur le point de s’envoler et de cascades. Entre autres choses.

Pour ce faire, il use du tirage comme d’une recréation. Au carrefour de multiples traditions picturales : miniaturiste, naturaliste, pictorialiste ; Son esthétique établie ne vise à aucun effet révolutionnaire de son art. Elle est une addition de techniques finement tissées et maitrisées mises au service d’un esprit que le fracas du monde rebute.

Cependant, le bestiaire docile du photographe vient parfois à être troublé par le regard inquiétant d’un rapace menaçant. Avec un peu d’imagination, son œil torve peut évoquer celui d’un regardeur blasé et hermétique à cet équilibre suspendu.

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Certains tirages sont finement dorés d’éclats à peine visibles, il faut s’approcher pour les distinguer et y consacrer un peu de temps pour les voir.

A l’image de la poétique de l’artiste, il est nécessaire au regardeur qui souhaite  s’imprégner de la grâce atemporelle des œuvres de l’alchimiste Masao Yamamoto de faire preuve par capillarité de la même proximité contemplative et de cette patience concentrée. Le joie contemplative est à ce prix et le jeu en vaut largement la chandelle.

 

 

 

Nouvelles expositions de rentrée à la Mep :  » Ghost stories » de Liu Bolin et Richard & Pablo Bartholomew « Affinités ».

A partir du 6 septembre, la Maison Européenne de la Photographie (MEP) à Paris présente ses nouvelles expositions de rentrée. Parmi celles-ci deux ont particulièrement retenu mon attention, celles consacrées à Bartholomew père et fils et à un degré moindre celle consacrée à Liu Bolin.

Commençons par celle consacrée au performer chinois Liu Bolin. C’est constamment dans sa fonction d’enregistrement que les performers du monde entier utilisent le médium photographique. Quelques-uns parmi ces artistes respectent, c’est-à-dire utilisent pleinement toutes les potentialités d’expression du médium de la prise de vue jusqu’au tirage.

Bolin se situe dans cette catégorie, la performance est pensée pour être saisie par la photographie, cadrage et tirage précis, l’ensemble présenté sans trucages numériques. D’où vient alors ce sentiment de sens épuisé qui saisit le regardeur au fur et à mesure qu’il parcourt l’exposition?

Revenons un peu en arrière. En 2005, les autorités chinoises détruisent un ensemble d’ateliers d’artistes dont celui de Bolin. En signe de contestation, l’artiste chinois se peint comme intégré aux décombres de son atelier en ruine. L’image est forte et marque concrètement la volonté des autorités de faire taire les artistes chinois en les privant d’endroit où exercer leur art. Faire corps avec son atelier détruit est donc un acte à consonance politique, la photographie de la performance marque par la simplicité de son élaboration la vigueur de son message.

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Hiding in the city 02, Suojia village, 2005.
De ce trauma originel, si je puis dire, Bolin capitalise. Ainsi, à partir de cet acte constitutif qui semble réalisé dans une certaine urgence, il l’érige en élément de sa poétique duplicable ad libitum.

Bolin dans le drapeau chinois, le même dans une allée de supermarché, enfin toujours lui dans sur un  fond de téléphones portables. La réalisation est parfaite, les images réussies. Cependant, au fur et à mesure que l’on découvre ces œuvres, le sens se perd, se dilue et vers la fin j’ignore s’il s’agit toujours de contestation ou d’illustration d’une méthode qui vire au gimmick au service de son auteur et non plus de son art.

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Hiding in the city 83, supermarket I, 2009.
Passons à l’exposition qui m’a fait la plus forte impression de cette rentrée à le MEP, celle de Bartholomew père et fils. Je connaissais leur travail par les livres ou sur internet, c’était la première fois que je pouvais voir des tirages.

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Autoportrait dans un miroir en 1975.
L’exposition s’articule en 3 étapes. Dans la première sont juxtaposées des images du père et du fils. Dans les deux autres, on peut voir les images du fils seul, Pablo, en deux séries, une parmi les junkies en Inde et une autre réalisée au Tibet alors qu’il y dirigeait la Maison du Tibet en Inde.

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Vue de l’exposition
Les images de junkies sont brutes, le noir et blanc contrasté souligne justement le contexte dramatique des images souvent réalisées de front et assez proches pour marquer la proximité, ou peut-être plus, du photographe et de ses personnages. Le décalage est d’autant plus frappant avec la dernière série d’images, plus sages, réalisées au Tibet et qui sont exposées dans la même salle.

Pablo Bartholomew y présente des fragments disparates souvent habités par des personnages caractéristiques. Ainsi, il m’a semblé reconnaître plusieurs fois le Dalaï Lama sur les images mais peut être était-ce simplement un moine bouddhiste. D’autres images présentent aussi quelques paysages vides empreints d’une certaine mélancolie. Une histoire d’exil toujours.

Toutefois, la partie incontestablement la plus passionnante de cette exposition se trouve au début du parcours. Les Bartholomew photographes père et fils en occupent l’espace. Chacun dans un cadre spécifique, noir et à fond perdu sans marie louise pour le fils, cadre plus grand et marie louise blanche pour le père. Les tirages sont quasiment tous du même format, noir et blanc. Le style des images est parfois proche entre père et fils d’autant plus que parfois très peu d’années séparent les deux périodes de réalisation.

Pablo Bartholomew, fils d’exilés birmans en Inde a appris la photographie auprès de son père. Cette exposition se présente donc sous la forme émouvante d’un exercice de piété filiale. Si l’on se cherche un père en photographie, c’est une chance de le trouver chez son propre père.

Mais l’exercice ne se résume pas qu’à cela heureusement, il s’agit surtout de faire dialoguer l’œil du fils et du père, de se réfléchir mutuellement et d’y trouver quelque chose qui dépasse ce simple jeu de miroirs.

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Un mur de cet accrochage présente deux images du couple de parents réalisées l’une par le père et l’autre par le fils. Sur l’une, celle réalisée par le père, on y voit un jeune couple souriant, sur l’autre, on y voit l’image couple mélancolique et quasi bergmanien dans le sentiment de crise qui s’en dégage. Les images du fils qui lui font face créant un dialogue muet dans le temps et l’espace où le regardeur est invité à provisoirement s’immiscer dans ce dialogue intime.

Parfois, l’accrochage cède à la facilité de présenter des images aux formes un peu semblables. Ce n’est pas à mon sens la partie la plus convaincante. Le plus passionnant dans cette exposition, c’est de voir comment le père et les fils pratiquent l’autoportrait et comment tous les deux évoluent dans leur propre environnement distinct et leur approche photographique. Il se trouve que parfois sans lire les cartels on serait un peu en peine de distinguer qui du père ou du fils est l’auteur de telle ou telle image.

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Ainsi, au style élégant et solidement composé du père répond un sens de l’image plus introspectif chez le fils que matérialise ses décadrages fréquents et son goût pour une  image un peu sale inspirée sans doute du bouillonnement photographique mondial post-1968. Le père tente le plus souvent de se tenir droit sur ses images, le fils est plus souvent horizontal. Le corps se tasse, en tout cas c’est l’image que l’on souhaite en montrer.

Dans un contexte d’exil, il est aisé d’imaginer combien la photographie a pu offrir un territoire commun de dialogue au père et au fils. Cependant, l’exposition marque aussi une sensible évolution du rapport de soi à son image et de la fonction miroir de la photographie. Un père et son fils peuvent habiter symboliquement le même pays d’exil, la photographie, et aller dans des directions différentes. C’est même nécessaire.

 

PHotoEspaña (3), Les découvertes.

Troisième et dernier billet à propos de l’édition 2017 de PHotoEspaña. Après les expositions patrimoniales et la carte blanche à Alberto Garcia-Alix, place aux jeunes. En effet, un des intérêts d’un grand festival de photographie, notamment lorsque qu’il se déroule hors de chez soi, est la possibilité qu’il nous donne de découvrir des œuvres venues d’ailleurs ou que l’on a pas ou peu l’occasion de découvrir près de chez soi.

Tout d’abord, rendez-vous à la Sala Canal de Isabel II pour « Un cierto panorama, reciente fotografia de autor en España ». La visite vaut le détour, le lieu est original, il s’agit d’un ancien château d’eau transformé en lieu d’exposition. Au rez-de-chaussée sont présentés des livres de photographie plus au moins récents, parfois sous verre, d’autres fois consultables. Un écran au centre, dans une pénombre bienvenue, présente un diaporama de séries photographiques d’une vingtaine de photographes, ainsi qu’au dernier étage. Au total ce sont des extraits de 48 travaux différents qui sont exposés.

Dans les étages, quelques artistes présentent leurs travaux. Deux coups de cœur : d’abord « Galerna 2007-2015 » de Jon Cazenave. On ne comprend pas trop de quoi il s’agit. Les cartels en espagnol seulement ne sont pas d’une grande aide. On trouve les informations sur le site de l’auteur. Celui ci, né au pays basque en 1978, dans son texte de présentation se propose de capter une sorte d’entre-deux entre l’identité basque forte face à la mondialisation. Je ne sais pas dans quelle mesure, cette volonté est manifeste dans les images exposées, tant celle-ci semble commune à beaucoup d’œuvres actuellement. Il n’en reste pas moins, je suis resté captivé par la force de ces photos assez mystérieuses et au clair obscur tranchant.

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From Galerna de Jon Cazenave.

Une autre série lui fait face. « Real » de Teo Barba. Avant même de voir les images, la scénographie de l’exposition, avec force barrière et murs pourpre, induit une distance avec l’objet représenté. En effet, Barba présente un ensemble d’images de sites royaux vidés de toute pompe, les bâtiments sont ainsi rendus à leur fonction première et utilitaire. Seule la mise en scène de l’exposition perpétue la pompe de la royauté.

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Ainsi de façon ludique, cette série nous soumet une réflexion intéressante sur l’incarnation dans les lieux du pouvoir royal. On pense évidemment à la réflexion de Kantoriwcz sur les deux corps du roi, celui humain et celui où s’incarne le pouvoir. Nous avons ici affaire aux deux maisons du roi, celles qu’il habite et celles qui sont habitées par le pouvoir, y compris en son absence. Les superposer ainsi revient à mettre à nu de façon ironique en s’attardant sur les détails le processus d’incarnation royale.

En bon complément à cette exposition enthousiasmante par la diversité des travaux présentés, deux autres lieux à Madrid proposent des images solitaires de photographes espagnols. En premier lieu, l’exposition du Premio internacional de fotografia Banca March à la Calcografia Nacional et de la Xème édition du prix fondation Enaire à l’institut Cervantès.

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De la première, j’ai surtout retenu une série de Jesus Labandeira « Cuando aun nevaba 1963-2016 » ci-dessus. Une mosaïque de vides et de pleins avec des images charnelles et d’autres plus topographiques avec une volonté d’inscription dans un territoire. La confrontation entre ces deux pôles marque l’ensemble d’un sentiment de mélancolie.

De la seconde, j’ai beaucoup aimé voir un tirage de la série « Vera y Victoria » by Mar Saez 2015 ci-dessous. Une série où la photographe suit avec pudeur et délicatesse un couple d’amoureuses. Le format choisi pour ces expositions de présenter à chaque fois une seule image (sauf pour Labandeira) est avouons-le est un peu frustrant tant il empêche de saisir une œuvre dans toute son ampleur éventuelle.

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Dans le parcours OFF, la Galerie Casa Sin Fin présente « two projects exhibition » d’Alejandro S. Garrido. Ce travail documente la modernisation de la grande artère centrale de Madrid (Gran Via) au début du XX° siècle en la juxtaposant avec celle en cours dans les centres ou en périphéries de diverses villes espagnoles au moment de la signature d’accord de défense avec les CEE en 1953 qui aboutira à l’adhésion de l’Espagne à l’Europe. Ce travail précis et rigoureux, au sens où il fuit toute joliesse et spectaculaire pour s’attarder sur des détails architecturaux en mutation sous l’effet de la politique internationale, trace en creux la ligne de fuite vers une modernité passée et présente qui semble inéluctable et duplicable à souhait.

Un mot sur « Pensar El Futuro, nuevos relatos fotograficos en Dakar » au centre culturel de la ville Fernan Gomez. Autant le titre de l’exposition est alléchant autant son parcours est décevant. De jeunes photographes sénégalais ayant participé à des ateliers organisés par « La Fabrica » sont exposés. L’initiative est louable mais le résultat n’a probablement pas sa place dans un festival international de photographie. Le rôle de tête chercheuse est ingrat mais là face aux images de mourides en transe, aux visages d’enfants éclairés par l’arrivée de l’eau dans les villages ou les images de lutteurs sénégalais, il devient patent que les commissaires de l’exposition ne sont pas aller chercher bien loin des photographes sénégalais exigeants.

Enfin, je termine sur l’exposition des 10 ans du prix Transatlantica, Confluencias à la Casa America. Autant certains jeunes photographes espagnols s’exportent, par les livres notamment, et sont donc un peu connus en dehors de leurs frontières, autant ici je suis allé de découverte en découverte de photographes sud-américains. En plus, les commissaires de l’exposition ont eu la fort bonne idée de présenter plusieurs images de chaque série exposée. J’y ai apprécié la série du bolivien Tatewaki Nio consacrée à une forme architecturale vernaculaire « Neo Andina architectural phenomenon » ci-dessous. Des images d’habitations au style biscornu et extravagant dans la ville de El Alto en Bolivie.

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Autre découverte, la série « Sweet & salted water » de Jorge Panchoaga. Cette série, au rendu spectralisé par l’effet de reflets sur l’eau et le velouté du noir & blanc utilisé, documente la détérioration de la qualité de d’eau et donc de la qualité de vie des pêcheurs colombiens.

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Autre continent, ici ou ailleurs, mêmes problématiques. Seul le regard permet de restituer à chacune sa singularité. C’est entre autres pour cela que la photographie est essentielle.

Merci Madrid et à l’année prochaine !

PHotoEspaña (2), les expositions patrimoniales.

Deuxième billet sur le festival PHotoEspaña à Madrid. A défaut d’avoir parcouru faute de temps les lieux du OFF, un constat s’impose, le festival est dominé par des expositions patrimoniales. Certaines d’entre elles permettent de découvrir une œuvre mythique d’un oeil nouveau, c’était le cas pour « Cafe Lehmitz revisited » d’Anders Petersen. D’autres comme celle d’Elliott Erwitt au Jardim Botanico, juxtapose des images historiques du Cuba révolutionnaire en 1964, autour des figures de Castro et Guevara avec en miroir l’enthousiasme de la population, et le Cuba de 2015 vu par le même photographe. Le procédé n’a rien de révolutionnaire mais n’est pas inintéressant non plus. Elliott Erwitt à son âge canonique propose des images de Cuba en 2015 où les plans de la foule enthousiaste de 1964 cèdent la place à une forme de solitude des protagonistes. D’où perce parfois un sentiment de désenchantement souligné par le contraste marqué des images et la présence nouvelle d’images de ruine.

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Cuba 2015, Elliott Erwitt.

Le musée Cerralbo présente une exposition de clichés inédits réalisés par le cinéaste espagnol Carlos Saura, España anos 50. Le jeune Saura, avant d’embrasser une carrière de cinéaste renommé, s’est intéressé à la région natale de ses parents en Espagne. Influencé par le néoréalisme et les photo-reporters américains tel Eugene Smith, Carlos Saura documente la vie des villageois. Autant dire que les conditions de vie étaient plus proches de celles du siècle dernier que du boom économique de l’Espagne après son adhésion à la Communauté européenne.

Le style documentaire de Saura est, dans cette série, assez répétitif, il multiplie les effets de profondeur de champ avec souvent un ou des visages d’enfant au premier plan. D’autres fois, face à la misère des habitants on reconnaît la touche humaniste. Dommage que les tirages numériques très plats ne restituent pas mieux la complexité recherchée dans la composition de certaines images.

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Umbo autoportrait au Leica, 1952.

L’espacio Fundaciôn Telefonica propose une vaste exposition Con Los Ojos Abiertos, Cien anôs de Fotografia Leica. La mythique marque d’appareils allemande propose dans l’espace Telefonica de revisiter son histoire en la superposant à celle plus ancienne de la photographie.

Cela débute donc par des images du créateur du premier appareil Leica, des exemples d’appareils d’époque sont disposés aussi dans le parcours. Cette partie historique laisse ensuite la place à un parcours d’images de genres divers réalisés par quasiment tous les grands noms de la photographie occidentale.

Le parcours répartit en salles consacrées au photoreportage, la photographie couleur, la photographie américaine et une partie importante dédiée à l’agence Magnum. J’ai noté au début du parcours une surreprésentation de photographes allemands inconnus, sans doute un effet du tropisme local compréhensible. En réalité il y a peu de surprises à découvrir.

Étrangement, certains photographes attendus comme Robert Frank sont absents de l’exposition . D’autres inattendus, sont eux présentés. L’exposition se clôt sur des images superbes des membres du collectif Tendance Floue, cocorico certes mais objectif et assumé.

Bref, il faut faire fi de l’ambiguïté de la démarche nécessairement mercantile de la part de Leica et de sa tentative de superposer son histoire certes légendaire avec celle de la photographie. Une fois cette chose faite, on parcourt un large pan de cette histoire composée de styles et de regards différents présentés dans des conditions optimales, bien documentées et contextualisés dans des tirages magnifiques.

(En haut, à gauche une image de Minor white, à droite deux portraits réalisés par Abe Franjndlich en 1972 et 1976).

Sur Gran Via, au sous-sol d’une boutique de luxe (LOEWE), est présentée une exposition de Minor White intitulée Metaforas. Composée d’une trentaine d’images, elle balaie brièvement la carrière du photographe et éditeur américain.

Cela débute par des vues de rues conventionnelles et se termine par des photos dans des poses et tenues suggestives ou queer du photographe réalisées par son compagnon jusqu’à près de sa disparition. Le cœur de l’exposition est centré sur les abstractions d’après nature, souvent un fragment ou un détail saisi de près par le photographe.

Les contrastes et teintes aux nuances délicates des tirages sont admirables. Toutefois, l’abstraction même sublimée par de magnifiques tirages n’empêche pas hélas un certain académisme en raison de la répétition de motifs désincarnés. L’œil y semble focalisé sur la façon de transformer des motifs interchangeables.

Enfin, raretés parmi les photos de Minor White sont ici présentées ses photos de nus masculins. On peut observer peu ou prou le même phénomène que dans ses abstractions d’après nature, une rigueur de composition et une attention extrême aux rendus de l’image qui inhibe tout rapport charnel ou sensuel à ces images.

Enfin, last but not least, l’exposition la plus importante de ce festival, Entropia y espacio urbano au Museo Ico consacrée au photographe italien Gabriele Basilico. Par le nombre d’œuvres exposées et son ampleur, cette exposition rend justice à l’œuvre magnifique de Basilico. Plusieurs séries sont présentées, des images réalisées en France pour la Datar, des images de Beirut post-guerre civile, des bords de mer ou de zones urbaines ou péri-urbaines dans plusieurs villes européennes. Dans le parcours, une série plus rare est présentée : Sezioni des paesigio italiano. S’inspirant des idées de l’architecte Stefano Boeri, Basilico découpe six « cuts » de 50 km par 12 sur le sol italien. Partant du centre vers la périphérie, Basilico dresse une typologie topographique de l’espace péri-urbain des villes italiennes. Les paysages y sont peu charmants, la rigueur de la composition et le protocole précis mis en place confèrent un aspect quelque peu janséniste à l’ensemble. Cependant, ce refus de la beauté facile ou du spectaculaire dense et bien documenté dresse à l’œil du regardeur une cartographie précise de ce que peut être ce type de paysage au-delà de la question de la beauté de l’environnement. C’est l’immanence de ces images qui saute aux yeux.

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De Naples à Caserte.

Après le charme romantique des ruines de Beirut dévasté, Basilico a parcouru l’Italie du nord au sud pour réaliser cette série. Esthétiquement, Sezioni des paesigio italiano s’oppose par le format des images, la froideur, et son protocole précis au charme des images de Beirut et donne à voir une autre facette de l’œuvre.

La modernité intemporelle des images de Basilico est le fruit d’un attelage subtil ; Une composition dynamique où s’imbrique avec harmonie éléments architecturaux bruts et noir & blanc qui emprunte au caravagisme pour la dramaturgie qu’elle induit, impossible d’isoler l’un de l’autre sans rompre cet équilibre inédit. Un mariage heureux pour l’oeil entre le froid du béton et la chaleur de la lumière.

PHotoEspaña (1), carte blanche à Alberto Garcia-Alix.

Ce billet est le premier d’une série de billets relatifs au festival PHotoEspaña, deux autres suivront. Le festival organise plusieurs expositions et événements dans différentes villes espagnoles, j’évoquerai celles ayant lieu à Madrid.
PHotoEspaña fête ses vingt ans cette année, c’est l’occasion pour le festival de revenir quelque peu sur son passé d’une part et de présenter la fine fleur de la photographie espagnole et sud américaine pour se projeter dans le futur d’autre part. Un pied dans le passé, un autre dans le futur, évoquons maintenant le présent du festival.
Premier gros morceau, la carte blanche offerte à Alberto Garcia-Alix. Fidèle à sa réputation de photographe s’intéressant au marginal et queer sous toutes ses formes, il a choisi de présenter des valeurs sûres proches de lui et de ses thématiques : les marginaux, le queer et la photographie d’auteur personnelle.
Commençons par la tête d’affiche de cette carte blanche : Cafe Lehmitz revisited à CentroCentro Cibeles. Revisiter les séries mythiques de la photographie est désormais fréquent. A l’occasion de ces expositions, des livres comportant parfois des inédits sont édités. C’était le cas pour les américains de Robert Frank par exemple.
Le parcours du Cafe Lehmitz Revisited propose donc des contact-sheets inédits en grand format qui tapissent les murs de la première salle ainsi que des tirages inédits de la série dans la salle suivante.  A l’instar de la littérature, la série est ainsi disséquée en public par le truchement d’une cure de critique génétique. La parole est aussi donnée à l’auteur.
L’œuvre y est ainsi hyper-contextualisée, un juke-box diffuse une chanson allemande mélancolique qu’on imagine bien écouter au petit matin après avoir accompagné les protagonistes de la série.
Dans une autre salle est projeté un diaporama commenté par Anders Petersen himself, il s’exprime avec recul sur son travail et les conditions dans lesquelles il a été réalisé en 1967. La voix du photographe, se rappelant les détails de son séjour à Hambourg, la faune louche qu’il y a côtoyé et la chaleur humaine qui l’y a rencontré.
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J’ai été frappé par la précision de la mémoire du photographe. Chaque protagoniste de la série a droit à une brève biographie forcément lacunaire et est souvent évoqué avec chaleur et beaucoup d’empathie. Entendre la voix de Petersen et voir en même temps ces images des disparus sauve l’ensemble du risque mémoriel sentant la naphtaline. Les images de cette série ainsi assemblée et amendée condensent en nous un des effets primaires de la photographie : immortaliser les vivants et restituer les disparus.
Autre tête d’affiche de cette carte blanche, Corpus de Antoine D’Agata au Circulo Bellas Artes. Faite de trois éléments, textes, image et vidéos. Ceux-ci se suivent parfois de façon chronologique (surtout les portraits), les textes-slogan occupent les espaces interstitiels et viennent rompre la chronologie des images. Les vidéos tournées avec des femmes dans des chambres de bordels, j’imagine, sont quant à elles disposées dans les coins des salles d’exposition.
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Je garde une grande affection et admiration pour l’œuvre personnelle de D’Agata. Cependant, l’égotisme exacerbé de l’auteur qui transparait dans cette exposition provoque chez le regardeur un sentiment de malaise proche de l’écœurement.
Ainsi, 99 % des images exposées sont des portraits de lui en toutes situations, surtout en recherche de plaisir charnel ou chimique. J’apprécie que l’auteur sacrifie ici son image à son propos, quitte à s’y brûler ; J’appréciais tout autant son travail plus ouvert sur le monde, quittant un peu ses chambres borgnes, apportant un peu d’air à son monde qu’il partage avec nous et qui nous soulageait quelque peu du caractère un peu claustrophobe et auto-centré de l’œuvre de D’Agata.
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Dans une autre petite salle circulaire du Circulo disposée au sous-sol,  est présentée une bonne vingtaine d’images de Pierre Molinier. Ses images désormais très connues et censées un peu sentir ici le souffre, sont un peu éventées désormais même si l’on admire toujours autant le travail créatif de haute précision du photographe. Seule curiosité de l’exposition, ce sont les sièges en velours vert disposés tout autour de la salle face aux images de petit format. L’ambiance y est indécise, on hésite entre s’y comporter comme dans un cabinet de lecture et s’attarder sur ces images scandaleuses ou bien de s’y tenir bien droit comme une demeure bourgeoise l’exigerait. Curieuse scénographie.
Dernière exposition au Circulo, celle consacrée à Paulo Nozolino « Loaded Shine ». Pour les admirateurs comme moi du poète portugais ombrageux, la déception peut venir surtout du nombre réduit d’images exposées. Une petite douzaine seulement, impeccablement tirées par Antoine Agoudjian d’ailleurs. De quoi s’agit-il? Comme toujours chez Nozolino, pas d’histoire, pas de récit, seulement une progression d’images-fragments prélevés ici ou là, des coups de hache lumineux à fendre un peu la nuit noire de l’âme.
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L’accrochage dans la pénombre du Circulo est somptueux. On vient voir des images en forme de lettres de l’auteur et on n’est pas déçu ni des nouvelles ni du contenu des lettres.
Cette année semble être l’année de la reconnaissance pour l’œuvre Karl-Heinz Weinberger. Il est exposé actuellement aux Rencontres d’Arles et A. Garcia-Alix a inclus une quinzaine de ses photographies dans sa carte blanche présentées dans une salle du Museo Del Romanticismo. On peut y voir au fond ses images les plus frontales et pas nécessairement les plus intéressantes à mon sens. Celles constituées d’un plan serré sur  une entre-jambe accompagné parfois de symboles chargés tel celui en forme de sabot de cheval. Sur les côtés, des tirages c-print d’époque présentent des portraits en pied de quelques uns de ses modèles vêtus de blouson, en jean serré et aux cheveux gras en hommage à Elvis Presley ou James Dean.
Dans ces images des années 1960, l’auteur suisse autodidacte photographe queer le soir et le week-end saisit ses modèles rencontrés en ville dans des poses suggestives. Son imaginaire homo-érotique semble y habiller ses modèles. De l’ensemble, les images un peu en creux ont ma préférence. Sur l’une d’elles, le modèle est assis dans un décor épuré du quotidien.
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S’en dégage un fort parfum de mélancolie. Le modèle, entre-deux, y semble quelque peu à l’abandon.  Il figure tel un albatros délesté de toute surcharge d’imaginaire que le photographe semble affubler ses modèles consentants.
Enfin derniers points à propos des autres expositions présentées à CentroCentro Cibeles. Celle de Teresa Margolles  à propos d’une prostituée assassinée à coups de pierre (présente dans l’exposition, la pierre pas la victime) sur un terrain vague à Ciudad Juarez. Face à ce fait divers sordide on reste un peu coi. Il manque à ce travail un dépassement, une vision esthétique de son sujet qui permettrait au visiteur de quitter cet état de révolte, de sidération.
Quant à l’exposition de photographies d’Isabel Munoz, l’accrochage de ses images, de grand format tirées sur fond noir, est hélas rendu très difficile à voir correctement vu les éclairages intempestifs du lieu.
( A suivre )

Bilad es Sudan, photographies de Claude Iverné à la fondation HCB.

Lauréat du prix de la fondation Henri Cartier-Bresson en 2015, Claude Iverné expose jusqu’au 30 juillet dans les murs de la fondation, une série de photographies, Bilad es Sudan : pays des noirs en arabe.
Après la Maison des Métallos en 2012, c’est une nouvelle occasion qui s’offre au visiteur de voir les images du Soudan réalisées sur place depuis la fin des années 1990 par Claude Iverné.
L’exposition s’articule en deux temps et en deux espaces. D’abord, le premier étage consacré quasi exclusivement à son travail réalisé à la chambre au Soudan, le plus souvent à contre-jour ou du moins avec la source de lumière de côté. L’œil prend ses distances avec le sujet. Par manque de lumière sans doute, on y voit pas ou peu d’images d’intérieur. Seuls des bergers, des femmes près de leur abri, quelques ruines ou des champs au loin peuplent ces images dans un paysage aride habité de nomades. Plusieurs images présentent aussi des abris dépouillés où l’on se sent à l’abri de rien.
A l’étage suivant, c’est toute autre chose. Claude Iverné aurait souhaité continuer son travail de photographe sur place. Les circonstances de la guerre en ont décidé autrement. Il a quand même pu réaliser des images au Sud Soudan récemment indépendant. On y voit s’y former les prémices d’une société consumériste. Les images en couleur présentent des grosses voitures, des affiches au mur. Les signes précurseurs d’un début de développement économique qui tranchent avec la sécheresse des images en noir & blanc des nomades soudanais vues à l’étage du dessous.
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67614-01 Mnaïma Adjak, peuple Shénabla, clan Awasma, Dar Jawama, Kordofan Nord août 2001.
Par la suite, toujours en couleur, le photographe fait le parcours inverse. Il suit des réfugiés soudanais en Europe. Pas d’images du voyage. Le voyage n’intéresse pas Claude Iverné. Sur place, il a pu s’intéresser au Soudan. Désormais il s’intéresse aux soudanais. Il multiplie des portraits en grand format de visages, quelques plans larges de réfugiés parfois auprès de leur abri de fortune.
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L 1009122 et L 10009171, Anwar Abdalla et Siddik Adam, peuple Marrarit, sous procédure Dublin II, Bois de Vincennes, février 2016.
Certaines images résonnent étrangement entre elles. L’image de personnes debout près de la tente réalisée au Soudan fait écho à celle du réfugié près de son abri au Bois de Vincennes. La végétation y est plus luxuriante, un sentiment de damnation se forme à la vue des images et se diffuse d’image en image.
A l’étage, sur une table, l’auteur a disposé quelques objets vernaculaires, des guides, des cartes, des plaques métalliques de publicité, des allumettes soudanaises. A la vue de ces objets, on songe quelque peu au rapport qu’entretenait Walker Evans avec les objets futiles de la civilisation américaine.
Ce n’est sans doute pas par hasard que l’on peut y songer, la distance, la retenue et le refus de tout spectaculaire tracent les lignes d’une filiation nette entre Claude Iverné et le maître américain. Il n’y est jusque la typographie des couvertures des livres de photographie soudanaise qui ne fasse référence clairement à American Photographs.
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Naomi Baki, française, peuple Kresh Gbayadu Bahrel Ghazal, Soissons décembre 2011.
D’autres fois, on songe au maitre américain à la vue de ce portrait de cette femme debout adossée à une porte faite de planches en bois. Le sourire triste, le regard voilé rapproche ces deux portraits. Il y a pire comme inspiration et morale du regard.
C’est à des images du Soudan que l’on s’attendait de se voir confronté à la fondation HCB, Claude Iverné nous y offre un autre parcours, du lointain au plus proche. C’est cette évolution qui donne à l’ensemble sa force. L’éloignement s’y consume, le lointain y est aboli. Le regard teinté d’exotisme, gangue de l’Afrique vue par nous, finalement s’y dissout et nous dessille.